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Réalisatrices de Sundance 2022 : Rencontrez Amanda Kim – « Nam June Paik : Moon est la plus ancienne télé »

Amanda Kim est une réalisatrice et productrice coréenne américaine. Ancienne directrice créative chez Vice Media, elle a dirigé la direction vidéo américaine pour iD, Creators et le magazine Garage. Kim a également travaillé sur Viceland, la chaîne de télévision de Vice, en tant que productrice créative dans un incubateur expérimental où elle a dirigé une équipe de production pour tester des pilotes et des formats de contenu innovants.

“Nam June Paik: Moon Is the Oldest TV” est projeté au Festival du film de Sundance 2023, qui se déroule du 19 au 29 janvier.

W&H : Décrivez-nous le film avec vos propres mots.

AK : C’est une histoire ludique et émouvante sur l’odyssée artistique et personnelle de l’artiste vidéo Nam June Paik.

Bien qu’il soit surtout connu comme le père de l’art vidéo, le film est centré sur les mots de Nam June le suivant dans son voyage d’Est en Ouest et sur sa découverte et son désir d’utiliser la vidéo/télévision comme outil artistique. Il a fait l’expérience directe de la manière dont la technologie a été utilisée pour amplifier la division idéologique, divisant son pays et le forçant à quitter son pays d’origine.

À travers l’art vidéo, il a étudié les façons dont la technologie pourrait être utilisée pour une meilleure communication et une connexion mondiale plutôt que pour la division. Il a créé un espéranto électronique à travers son art vidéo, une nouvelle façon de communiquer avec le monde.

W&H : Qu’est-ce qui vous a attiré dans cette histoire ?

AK : J’ai été attiré par l’histoire de Nam June à cause de mon propre parcours itinérant en tant que Coréen qui a grandi au Japon puis s’est déplacé vers l’Ouest. J’ai raconté sa vie nomade et son identité multiculturelle. Il ne voyait pas le monde en termes noirs ou blancs mais comme un hybride et j’ai vraiment gravité vers cette perspective. C’est inspirant et rafraîchissant à une époque où tout semble être catégorisé en termes binaires.

J’étais aussi curieuse de son travail, qui est plein d’humour et laisse des questions. J’ai voulu en savoir plus et j’ai découvert à quel point son art était stratifié.

W&H : À quoi voulez-vous que les gens pensent après avoir vu le film ?

AK : J’espère que les gens ressentiront le besoin de remettre en question et de défier le monde qui nous entoure et les technologies qui sont devenues si omniprésentes. J’espère que les gens auront de l’espoir quant aux possibilités que nous n’avons pas encore découvertes.

J’espère que les gens ressentiront la joie et l’humour que Nam June a apportés au monde par sa présence et son travail. J’espère que les gens ressentent le pouvoir de l’art comme moyen de communication et d’investigation.

L&H ; Quel a été le plus grand défi dans la réalisation du film ?

AK : Le plus grand défi a été de convaincre les gens que je pouvais le faire en tant que réalisateur pour la première fois, puis de m’assurer que je pouvais raconter l’histoire en laquelle je croyais tout en naviguant dans plusieurs parties qui avaient des idées différentes sur ce qu’elles pensaient que l’histoire devrait être.

W&H : Comment avez-vous financé votre film ? Partagez quelques idées sur la façon dont vous avez réalisé le film.

AK ; C’est ma première fonctionnalité. Je n’avais même jamais réalisé de court métrage. Il était donc assez difficile de trouver des sources de financement au début. Mais mon ami David Koh, producteur du film et assistant de Nam June pendant ses années universitaires, m’a encouragé à faire un traitement et à commencer à enregistrer mes entretiens de recherche avec les contemporains de Nam June.

Vous n’avez pas besoin d’être entièrement financé pour faire un documentaire, alors j’ai commencé à filmer en utilisant un iPhone et des caméras auxquelles j’avais accès grâce aux faveurs d’amis. Ensuite, j’ai été accepté sur le forum IDFA, où vous pouvez présenter votre projet à un groupe de coproducteurs et distributeurs internationaux.

J’ai reçu de l’argent d’investisseurs privés, des subventions et des fonds du gouvernement coréen par l’intermédiaire de mon coproducteur coréen que j’ai rencontré à l’IDFA. Ce qui était également un avantage, c’était que le sujet croisait l’art et le cinéma, j’ai donc pu rechercher des options de financement dans le monde de l’art également.

W&H : Qu’est-ce qui vous a poussé à devenir cinéaste ?

AK : Je n’ai jamais pensé que j’allais devenir cinéaste, mais j’ai toujours été intéressé par la narration à travers l’art. J’ai travaillé dans diverses industries créatives de la musique, de la mode, de l’art et des médias, mais je n’ai pas pu en choisir une. Je me suis retrouvé chez Vice où ils m’ont jeté dans les profondeurs de la production alors que je n’avais aucune expérience, et c’était une situation de couler ou de nager. Malgré des expériences de quasi-noyade, j’ai trouvé que j’aimais vraiment raconter des histoires à travers des images en mouvement.

Le cinéma réunissait toutes les différentes disciplines créatives que j’aimais. Il faut être peintre, compositeur, designer, écrivain et porter bien d’autres casquettes pour faire un film.

W&H : Quel est le meilleur et le pire conseil que vous ayez reçu ?

AK : Meilleur conseil : faites confiance à votre instinct, mais soyez ouvert à tout ce qui se présente. Un accident ou une erreur peut s’avérer être juste.

Pire conseil : “Ce n’est pas assez commercial.”

W&H : Quels conseils avez-vous pour les autres réalisatrices ?

AK : Ne laissez personne vous dire que vous n’y arrivez pas ou que votre film n’est pas assez « commercial ». Continuer!

W&H : Nommez votre film préféré réalisé par une femme et pourquoi.

AK : “Morvern Callar” de Lynne Ramsay

Je n’arrêtais pas de penser au film des semaines après l’avoir vu et cela m’a inspiré à commencer à écrire.

Personne ne sait comment ils vont gérer le chagrin jusqu’à ce que cela leur arrive et “Morvern Callar” traite cette question d’une manière très inattendue. Bien que le personnage principal prenne une décision discutable, Samatha Morton et Lynne Ramsey ont créé un personnage aux multiples facettes et vous êtes toujours enraciné pour elle – du moins je l’ai fait.

Je pense que ce sont les genres de films les plus forts – quand un personnage vous surprend. Le film est sombre, étrange, absurde et émouvant.

W&H : Quelles responsabilités, le cas échéant, pensez-vous que les conteurs doivent affronter le tumulte dans le monde, de la pandémie à la perte du droit à l’avortement et à la violence systémique ?

AK : Je pense que les conteurs réagissent inconsciemment ou consciemment au monde, aussi subtil ou manifeste que soit ce message dans leur travail. Je ne pense pas que ce soit une responsabilité autant qu’une fatalité.

Il est difficile de faire un film, donc la seule façon de supporter le long et turbulent voyage est de sentir que l’histoire est suffisamment importante pour être racontée. Même si ce n’est pas une «confrontation», c’est une réaction aux expériences d’engagement avec le monde qui vous entoure.

W&H : L’industrie cinématographique a une longue histoire de sous-représentation des personnes de couleur à l’écran et dans les coulisses et de renforcement – et de création – de stéréotypes négatifs. Selon vous, quelles mesures doivent être prises pour rendre Hollywood et/ou le monde de la doc plus inclusif ?

AK : Je pense qu’il est important pour l’industrie de donner plus d’espace aux personnes sous-représentées de manière réfléchie et fluide. Changer les pratiques de casting/d’embauche est important. Je veux voir plus de visages asiatiques derrière et à l’écran, mais je pense que certaines façons de commercialiser des films comme des «films asiatiques» peuvent créer un renforcement négatif et accentuer davantage la «différence». Je comprends que cela puisse être une première étape essentielle dans la correction de cap, mais parfois je pense que nous sommes allés trop loin.

Cela étant dit, je pense que c’est vraiment positif d’avoir plus de ces conversations et il est important de pouvoir trouver des modèles ou d’être des modèles dans ces communautés.


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